Simon Fujiwara setzt sich mit den Bildern und Narrativen unserer Zeit auseinander. Das Phänomen, das er als ‘Hyper-Engagement’ beschreibt, basiert auf der Beobachtung kapitalisierter Unterhaltungswelten, die unser Konsum- und Kommunikationsverhalten prägen. Der Künstler ist an den Strategien interessiert, mittels derer sich Individuen innerhalb der Gesellschaft definieren und profilieren – in einer Zeit, in der das Internet einen maßgeblichen Teil unserer Lebensrealität bestimmt. Die Grenzen der einzelnen Medien überschreitend, arbeitet Fujiwara mit Video und Installation, Performance, Skulptur, Malerei und verschiedensten technischen Medien.

Im Zentrum der Arbeit Empathy I steht ein von Freizeitparks inspiriertes 5-D-Kino. Statt einer fiktionalen Reise durch Fantasiewelten präsentiert der Künstler jedoch gefundene Youtube-Videos, die extrem emotionale oder intensive körperliche Erfahrungen zeigen. Diese Videos anonymer Nutzer, die in massenhafter Zahl im Internet zu finden sind, zeigen private, teils intime Momente. Durch deren Umsetzung in einen Simulator, dessen bewegliche Sitze der Kamerabewegung folgen, steigert Simon Fujiwara die Beobachtung zu einer körperlichen Erfahrung. Die Intensität und Geschwindigkeit der Bilder und die zusätzliche physische Komponente überfordern uns insofern als unser Gehirn eine längere Zeitspanne benötigt, um die Bedeutung einer momentanen Situation zu erfassen und einzuordnen. Ausgelöst wird stattdessen eine Aneinanderreihung übersteigerter, aber simulierter Emotionen wie Erregung, Angst oder Freude. Simon Fujiwara reflektiert hier die beschleunigte Dynamik unseres Konsums von Bildern – was opfern und was wir gewinnen wir durch ein Leben, das zusehends durch eine Kameralinse transzendiert wird?

Beobachtungen wie diese waren Ausgangspunkt für die Arbeit Empathy I. Die beschleunigte Dynamik des Konsums von Bildern sorgt für einen erbitterten Kampf um unsere Aufmerksamkeit. Die sich ständig steigernde Menge der verfügbaren Inhalte und Bilder führt aber auch zu einer qualitativen Veränderung. Das emotionalste Bild bleibt in Erinnerung, sei es bizarr, tragisch, komisch oder aufregend. Diesem Prinzip folgt nicht nur unsere Aufmerksamkeit als Empfänger, sondern auch unser Anspruch an den eigenen Erfolg als Sender, der sich in Likes, Shares, Re-Tweets oder Kommentaren misst. Das Wechselspiel, das sich digitale und analoge Welt in diesem Zusammenhang liefern, besteht aus Erfahrungen und Situationen des eigenen realen Lebens, die medial dokumentiert und inszeniert werden. Die erhoffte digitale Resonanz zielt auf eine Bestätigung ab, die einen nicht unerheblichen Teil zur individuellen Identitätsbildung beiträgt. Gleichzeitig wächst das Verlangen nach dem Konsum immer intensiverer digitaler Bilderfahrungen, die Zerstreuung und Stimulation versprechen. Das Ich geriert sich als Produkt und Konsument gleichermaßen und kann somit sein Geltungsbedürfnis ebenso stillen wie seine Neugier und die Lust am Zuschauen. 

Das kurzweilige und intensive Erleben hinterlässt jedoch eine Leere. Keine Erzählung und keine Spannungskurve führen hier zu einem emotionalen Höhepunkt, stattdessen folgt pausenlos eine abgebrochene Klimax auf die nächste. Die begrenzte Fähigkeit der digitalen Technologie, zum befriedigenden Ersatz analoger körperlicher Erfahrung und eigenem emotionalem Empfinden zu werden, wird in Empathy Izum zentralen Thema. Simon Fujiwara stellt in diesem Zusammenhang die Frage nach dem Stellenwert der körperlichen Erfahrung. Ist es möglich, auch das physische Erleben zu simulieren? Funktionieren unser Körper und Geist tatsächlich so, dass sich echte Emotionen künstlich hervorrufen lassen? Oder wird zwischen physischem und psychischem Erleben im Gegensatz zum medial vermittelten immer eine entscheidende Differenz bleiben, unabhängig vom Fortschritt der Technologie?

Simon Fujiwara reflektiert diese Entwicklungen, indem er uns in einer fein abgestimmten Dramaturgie zu Beobachtern und Teilnehmern verschiedener Situationen macht. Wir begeben uns in einen Wartebereich, wie wir ihn aus dem Alltag kennen: Man zieht eine Nummer, es stehen Sitzmöglichkeiten und ein Wasserspender bereit, freies WLAN wird angeboten, und in der Ablage des Tisches befinden sich mehrere Ausgaben des Romans Fifty Shades of Grey. Die Bücher sind jeweils dort mit einem Lesezeichen markiert, wo sich die beiden Protagonisten der Geschichte freiwillig auf eine sado-masochistische Beziehung einlassen und dies vertraglich festhalten. Fujiwara verweist einerseits darauf, dass wir uns tagtäglich bewusst dem Internet und insbesondere den sozialen Medien ausliefern. Zum anderen unterstreicht er die Widersprüchlichkeit einer Gesellschaft, deren liberale und demokratische Werte konträr zu dem stehen, was der als misogyn und prokapitalistisch kritisierte Roman idealisiert und erotisiert. Vor diesem Hintergrund hat Simon Fujiwara der enorme Erfolg des Romans beschäftigt. Während seiner Recherchen erfuhr er, dass die Wohltätigkeitsorganisation Oxfam so viele Exemplare des Romans als Spenden erhielt, dass sie in einem Aufruf darum bat, von weiteren Schenkungen abzusehen. Diese ließen sich weder verkaufen noch recyceln, da sich der Leim im Einband als giftig erwies. Tausende von Büchern verharrten so in einer Art Schwebezustand ohne Verwendungsmöglichkeit. Der Künstler beschloss, Oxfam den gesamten Vorrat abzukaufen und für seine Arbeit zu verwenden, um für diese Kette von Paradoxien einen Reflexionsrahmen zu schaffen.

Johanna Adam

Simon Fujiwara ist in Japan, Spanien und in Cornwall, Großbritannien aufgewachsen. Architektur an der Universität Cambridge und Kunst an der Städelschule in Frankfurt. Arbeiten des Künstlers befinden sich unter anderem in so renommierten Sammlungen wie dem Museum of Modern Art und dem Guggenheim Museum in New York sowie in der Tate in London. 2010 gewann er sowohl den Baloise Prize der Art Basel und den 2010 Frieze Cartier Award. 2019 gehörte er zu den Nominierten des Preis der Nationalgalerie in Berlin.

Simnikiwe Buhlungu kreiert in ihrer Video-Arbeit Rolling-A-Joint: Revisiting Spike Lee spielerisch audiovisuelle Montagen, indem sie gesprochene und geschriebene Wörter mit Sound kombiniert. Sie versteht sich zwar nicht als Performerin, tritt aber in dieser Videoarbeit als Protagonistin auf, indem sie sich Drehbücher von Spike Lee (*1957 Atlanta, Georgia) vornimmt und diese präzise beleuchtet. Sie inszeniert hier den Versuch einer individuellen künstlerischen Kritik an Spike Lees Werk, indem sie den Text seziert, verändert und nachspielt. Der gefeierte Autor, Schauspieler und Regisseur kann ohne Übertreibung als stilbildend für eine ganze Generation der afro-amerikanischen Pop- und Filmkultur gelten. Seine Arbeiten werden auch als „Spike Lee Joints“ bezeichnet und mit einem perfekt gerollten Joint verglichen. Hiervon inspiriert, und als Hommage an den Künstler nahm Buhlungu sein Werk und diese Bezeichnung als Methapher in ihr Video mit auf.

Simnikiwe Buhlungus Video-Arbeiten gleichen Untersuchungen, die die Entstehung und Verbreitung von Wissen grundsätzlich in Frage stellen. Sie arbeitet mit Text-basierten Medien, Video und Installation. Die Künstlerin geht stets von der Theorie aus, dass z.B. Kino und Musik, vor allem aus der afro-amerikanischen Kultur, ein Gefühl von Zugehörigkeit und Solidarität zwischen Afrika und seiner Diaspora erzeugen.

Ihr Interesse liegt insbesondere darin, persönliche, generationsübergreifende und sozio-historische Geschichten zu erzählen und zu einem Netz zu verknüpfen, die Themen aufwerfen, mit denen sie sich beschäftigt und zuweilen auch hadert. Der Einsatz von Sound und gesprochenen Erzählungen sowie die Publikation und Verbreitung von Texten machen einen Großteil ihrer künstlerischen Praxis aus.

Miriam Barhoum

Simnikiwe Buhlungu lebt derzeit in Amsterdam,
wo sie ein zweijähiges Residenzprogramm an der
Rijksakademie van Beeldende Kunsten absolviert.

In den Performances, Videos und Wandarbeiten von Nora Turato ist die Sprache das zentrale Thema. Sie schreibt und performt Spoken-Word-Gedichte, verwebt Textfragmente aus Werbeslogans und Alltagssprache und reflektiert auf diese Weise die Sprach- und Textkultur der Gegenwart. Wie wird Sprache heute verwendet, und welche Signale übermitteln Klang und Sprechweise? Welche Wirkung hat die Ästhetik visuell wahrgenommener Texte? Sprache befindet sich in einem steten Wandel, in ihr kommt der gesellschaftliche Zeitgeist hör- und sichtbar zum Ausdruck. Was sich an ihr in Bezug auf eine kulturelle Entwicklung ablesen lässt, steht im Zentrum der künstlerischen Inventionen von Nora Turato.

Schon bei der Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts tauchen Texte und Textfragmente häufig in Bildern und Collagen auf. Dada und Surrealismus verstanden sich sowohl als bildkünstlerische wie literarische Bewegungen. Nicht wenige ihrer Protagonist*innen arbeiteten zugleich mit Malerei, Collagen, Skulptur und auch Dichtung. Gestaltung und Typografie wurden zu einem wichtigen Thema. Kurt Schwitters, einer der bedeutendsten Dada-Künstler, konstatierte: „Typographie kann unter Umständen Kunst sein.“ In der Dichtung wiederum begann etwa um 1930 mit der Konkreten Poesie das visuell-gestalterische Moment an Bedeutung zu gewinnen. Die Sprache selbst wird hier zum Thema, ihre phonetischen und visuellen Aspekte stehen im Mittelpunkt, der Inhalt tritt in den Hintergrund. In den 1960er-Jahren sind es insbesondere die Pop-Art und die Konzeptkunst, die Sprache bzw. Schrift und bildende Kunst miteinander verbinden. Die Erscheinungsformen sind vielfältig, Texte können zum alleinigen Gestaltungsmotiv werden, klare Aussagen treffen oder ausschließlich der Imagination dienen.

Heute haben sich die Bereiche, in denen Sprache und bildende Kunst einander begegnen, so immens vervielfacht, dass häufig kaum noch eine eindeutige Zuweisung an ein bestimmtes Genre möglich ist. Auch in Musik und Literatur, etwa durch die Beat-Bewegung der 1960er-Jahre, haben Spoken Word Performances an Bedeutung gewonnen und sind nicht zuletzt über die Fluxus-Bewegung wiederum ins Blickfeld der bildenden Kunst gerückt. In den Arbeiten von Nora Turato wird die Verschmelzung der Künste direkt erfahrbar: Ihre Praxis umfasst sowohl Spoken Word Performances, Video- und Audio-Arbeiten, großformatige Wandbilder, Grafiken als auch Künstlerbücher. Die Skripte, auf denen ihre Arbeiten basieren, reflektieren sowohl die Medien als auch die gestalterische Form und die Inhalte jener Sprache, mit der wir tagtäglich konfrontiert werden. Textfragmente aus Werbung und Social Media, Alltagsfloskeln, Film und Literatur verdichtet sie zu rhythmischen Sprechakten und visuell eindringlichen Bildern. Im Mittelpunkt ihres Interesses stehen dabei die Wirkung von Sprache im jeweiligen Kontext, die politische Vereinnahmung von Begriffen und die milieuabhängige Interpretation von Sprache.

Johanna Adam

Nora Turato hat an der Rijksakademie van Beeldende Kunsten
und an der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam
sowie am Werkplaats Typografie in Arnheim studiert.

Laure Prouvost kreiert intermediale Installationen, die sich zwischen Fiktion und Realität bewegen. Ob Film, Video, Sound, Skulptur oder Malerei, stets erzählen ihre Werke ausdrucksstarke Geschichten, wobei sie jedoch nicht dem Muster einer traditionellen, gradlinigen Erzählweise folgt. Vielmehr werden Erwartungen an und die Wahrnehmung von Sprache auf den Kopf gestellt.

Die lebensgroßen Strichwesen Metal Men and Women (aus Betonstahl) mit Bildschirmen als Köpfen erzählen Geschichten, falten gemeinsam eine Bettdecke oder liegen entspannt irgendwo im Raum. Ihre verführerischen Stimmen, die aus Lautsprechern kommen, stammen von der Künstlerin selbst, die so ein starkes Gefühl von Intimität und Ruhe erzeugt.
Prouvost schafft einen sinnlichen Rahmen, spielt mit Missverständnissen und Sinnestäuschungen. Die vielschichtigen Interpretationsmöglichkeiten des geschriebenen Wortes sind ein zentrales Element in ihrer Arbeit. Sie will mit der Sprache nur andeuten, Möglichkeiten suggerieren, überlässt die schlussendliche Deutung aber ganz der Fantasie des Betrachters.

Gisèle Gonon arbeitet intermedial und kombiniert Skulptur, Zeichnung, Video und Sound. Gonon interessiert sich insbesondere für die durch Analogien, Formen, Farben, die Funktion und den sozialen Kontext, dem ein Medium entstammt. Ihre Recherche verbindet sie mit dem Sammeln von Materialien, die sie künstlerisch bearbeitet: Objekte, Werkzeuge oder Handlungen werden verändert und somit ihrer ursprünglichen Funktion entfremdet.
Die Multimedia-Installation Work With Us stellt Themen und Methoden der modernen Arbeitswelt in Frage und entlarvt dabei vor allem die Werbesprache, die die Unternehmen zur Personalbeschaffung einsetzen. Job-Angebote die lautstark kreative Freiheit, persönliche Entwicklung und Erfüllung versprechen, sind auf dem Arbeitsmarkt allgegenwärtig, um das Interesse potenzieller Bewerber*innen zu erregen, und vor allem in der Welt der Startups weitverbreitet: „Think big and Act fast“, „A positive environment“, „Go for it and own it“, sind Sätze aus dem Audio loop, die man in Gisèle Gonons Arbeit hört. Überschüttet von Angeboten, die das Blaue vom Himmel versprechen, erleben wir den Arbeitsmarkt als komplexes System aus Anreizen, Versprechen und Anforderungen, die weit über das Berufliche hinaus in das private Leben eingreifen.

Die Künstlerin wirft auf diese Weise einen kritischen Blick auf kapitalistische Glaubenssysteme und beleuchtet deren Einfluss auf die Arbeitswelt.

Die Künstlerin wirft auf diese Weise einen kritischen Blick auf kapitalistische Glaubenssysteme und beleuchtet deren Einfluss auf die Arbeitswelt. „Der neue Geist des Kapitalismus“ * findet sich auch in der Startup-Kultur wieder. Es scheint, als wäre es heutzutage nicht mehr ausreichend, nur für ein Unternehmen zu arbeiten. Vielmehr muss man die Werte des Arbeitgebers internalisieren und sich vollkommen mit ihnen identifizieren. Berufserfahrung und Professionalität werden dabei außer Acht gelassen. Ihr Ziel ist es mechanische Abläufe zu stören und zu unterbrechen – eine Art Sabotage zu inszenieren –, und all das in Verbindung mit einem starken politischen Unterton, jedoch immer humorvoll und feinsinnig zugleich. Dies gelingt ihr insbesondere durch die zugespitzte Darstellung des „Kaffee-Brunnens“, mit dem die Künstlerin auf den sogenannten Noria-Effekt verweist. Dieser Begriff beschreibt die Methode, mit der die Lohnkosten-Differenz zwischen neuen, jüngeren Mitarbeiter*innen (geringeres Gehalt) und älteren (höheres Gehalt) berechnet werden kann.

Miriam Barhoum

Die in Frankreich geborene Künstlerin hat ihre Ausbildung an der School of Art and Design in Saint- Étienne vollzogen, sie lebt und arbeitet in Berlin und ist Mitbegründern des Kollektivs CCPC (Collisions, Cataclysmes et Permis de Construire).

Dries Verhoeven arbeitet an der Schnittstelle von Performance und Installation. Er strebt danach, die Beziehungen zwischen Zuschauern, Performern, dem täglichen Leben und der Kunst zu verwischen. Oftmals arbeitet er zusammen mit „Außenseitern“, Menschen am Rande der Gesellschaft. Statt klare Aussagen über das Leben dieser Menschen zu treffen, geht es Verhoeven darum die Besucher*innen bei der Betrachtung seiner Kunstwerke aus dem Gleichgewicht zu bringen, der Zweifel zu aktivieren.

In Songs for Thomas Piketty hören wir die Stimme und den Gesang eines albanischen Obdachlosen, dem der Künstler  vor einem Supermarkt in den Bonner Quantiusstraße  begegnet ist. Der Mann ist unsichtbar. Seine Stimme klingt in einer Endlosschleife aus einem Kassettenrekorder, der am Museumseingang platziert ist. Die Arbeit verweist auf aktives Betteln um Geld, das momentan in vielen Städten verboten ist, so auch in Bonn, wo nur stilles Betteln erlaubt ist.

Verhoeven untersucht die Präsenz der Armut im öffentlichen Raum und hinterfragt die Gefühle des Unwohlseins, die uns möglicherweise befallen, wenn wir konfrontiert werden mit denen die (scheinbar) arm sind.

In Westeuropa, wo nach wie vor großer Wohlstand herrscht, steigt die Armut. Innerhalb der EU werden die wirtschaftlich starken Länder von den schwächeren Mitgliedstaaten um Hilfe gebeten. Obdachlose, finanziell schlechter gestellte Menschen aus den Balkanländern sowie ehemals Geflüchtete leben in westeuropäische Städte. Der Wirtschaftswissenschaftler Thomas Piketty belegt, dass sich die Schere zwischen Arm und Reich in den kommenden Jahren weiter öffnen wird.

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